LA CARBONERÍA, SEVILLA.: MUESTRAS

TATUADOS Y OTRAS PINTURAS

Mon, 05 Mar 2007 12:09:28 GMT

SENSACIONES

Tue, 30 Jan 2007 13:12:25 GMT

S E N S A C I O N E S

C a r m e n P e ñ a

C h a r o d e l R í o

N e n a S e g u r a

P I N T U R A S

D e l 2 a l 2 7 d e f e b r e r o

I n a u g u r a c i ó n:

V i e r n e s d í a 2 d e f e b r e r o,

a l a s 21:00 h o r a s

L A C A R B O N E R Í A

c/ Levíes, 18 - Sevilla

L A S E N S A C I Ó N E N T R E S D I M E N S I O N E S

Dígase lo que se diga, durante muchos siglos el arte estuvo condicionado al mecenas y, con toda probabilidad, si no hubieran existido reyes, duques, condes o Madammes Stein nuestros museos tendrían muchas menos obras de las que exhiben: no están allí sino como consecuencia de sucesivas decadencias.

Con el modernismo, al romperse las fronteras del arte formal, se rompieron también las de las Bellas Artes, esto es, los cánones que habían “enmarcado” o aferrado al objeto artístico; luego vino la extensión general y democrática de la cultura y entre el uno y la otra quitaron, por así decirlo, las puertas que desde tiempo inmemorial se le habían puesto al campo. Los artistas pudieron hacer lo que quisieron y eso es precisamente lo que hacen Carmen Peña, Charo del Río y Nena Segura: verter sobre el soporte de papel, tela o cristal aquello que perciben y como lo perciben.

Tres estilos diferenciados porque son tres voluntades las que se ponen ante la naturaleza –ante la vida- y se dejan absorber ingenuamente, o sea, sin intereses, con aquello que despierta sus fibras estéticas.

El arte por el arte. Sin mecenas, sin más intermediarios que el aire, el sol, la tristeza, la alegría o el impulso. No están sometidos a un estilo en el más estricto sentido de la palabra. Hay un aire de melancolía en los cuadros de Nena Segura, afán de cercanía en las obras de Charo del Río, tal vez la rectitud de un bisturí de color en los que ha colgado Carmen Peña. No sé. En todo caso, ahí están, como resultado del estudio, como recorrido de un trayecto vital, como versos: como el carpe diem de Horacio. Como una invitación, por tanto, a los demás.

Antonio Zoido Naranjo

LECTURAS ALEMANAS

Mon, 04 Dec 2006 13:49:35 GMT

MUESTRA COLECTIVA

PINTURAS Y GRABADOS

EN LA CARBONERÍA,

DEL 1 AL 31 DE DICIEMBRE.

"LECTURAS ALEMANAS"

PARTICIPAN:

MICHAEL FALKENSTEIN

SONIA KIRSCHSTEIN

ANDREA LEHNERT

MICHAEL LUCHT

MARKUS ROSADA

POESIA VISUAL

Tue, 21 Nov 2006 12:49:28 GMT

MIGUEL AGUDO

"AGUDEZAS"

POESÍA VISUAL.

DEL 9 AL 30 DE NOVIEMBRE DE 2006

LA CARBONERIA.

MUESTRA FOTOGRAFICA

Wed, 11 Oct 2006 10:11:22 GMT

M U E S T R A F O T O G R Á F I C A

“SIN TÍTULO”

Obras de

Claudia Quade Frau y Arturo Comas Calero.

Para una poética de la imagen condensada, una aproximación a las auras frías.

Del 7 al 31 de octubre de 2006.

La Carbonería.

FOTOGRAFIA DIGITAL A COLOR FOTOGRAFIA DIGITAL A COLOR

LA CARRETERA 75 X 50 EL HACHA 75 X 50

CLAUDIA QUADE FRAU ARTURO COMAS CALERO

MUESTRA COLECTIVA

Mon, 02 Oct 2006 09:50:12 GMT

DEL 2 AL 30 DE SEPTIEMBRE

EN LA CARBONERIA.

ART DULCINIUM

CERVANTES ART DULCINIUM.

MUESTRA DE ACUARELAS, CANO.

Tue, 08 Aug 2006 09:37:15 GMT

ATARDECER EN SANLUCAR, acuarela 19x29

CANO

Marinas y Acuarelas

EN LA CARBONERIA

DEL 10 AL 31 DE AGOSTO DEL 2006

EMMA PRENDES

Wed, 05 Jul 2006 10:42:32 GMT

MUESTRA DE PINTURAS

EMMA PRENDES

"CABEZONERÍAS"

EN LA CARBONERIA DEL 3 AL 31 DE JULIO.

INAUGURACION: LUNES 3 A LAS 21:00H.

Se me va la cabeza - acrilico s/tabla 43x62 cm

“Cabezonerías”: es el término con que Emma Prendes nombra el

esfuerzo de pintar; aunque también, tirando de la trama de la palabra, da el mismo nombre a su reciente colección de pinturas.

“Cabezonerías”: obras, de vario formato y soporte, que buscan en la madera las distintas calidades con que texturar el uso del acrílico. Un número no superior a veinte piezas forman la totalidad de estas pinturas sobre maderas. Estas cabezonerías −que la pintora exhibe durante este mes de julio− son modos de tocar el pulso a las representaciones irónicas de la condición humana. Caracteres o “refranes visuales” que anotan la gama de expresiones a las que alude la cabeza; viñetas que toman forma y color a partir de maderos encontrados y reciclados, como palés, tablas, listones, ventanas, etc…

Las cabezas −mímicas de la expresión−, se han tratado aquí con acrílicos de secado rápido, pues permiten una pintura más fresca y, por tanto, más viva. Pintadas sobre tablas, ya que el color de la madera es un maravilloso aliado al jugar con los tonos de la piel; unas veces, utilizadas en los claros o las sombras, otras tomadas para los fondos o las transparencias, siempre se consigue armonizar la tonalidad.

“Cada madera pintada se expresa en toda su composición: ya sea el estilo como el color o la figura del soporte, ya sea el tamaño, la forma o el deterioro de la misma −nos dice la pintora−, hacen que cada cabeza cobre su propio gesto, su propio mimo. Algunas fueron esbozadas antes de buscar el formato de tabla conveniente; otras, sencillamente fueron sugeridas por las mismas maderas”.

Emma Prendes, para dar un mejor acabado al concepto que ha de lucir cada cabezonería, cada pintura, intenta hacerse sentir en las expresiones más contundentes, permitiéndose recurrir a diferentes modos de resolver: unas veces, mediante el uso no formal de la imagen; otras, empleando cierto desaliño en la composición y poniendo la mayor tensión en las miradas.

EMILIO SENRA

Fri, 09 Jun 2006 09:17:39 GMT

HOY DIA 9 DE JUNIO, INAUGURACIÓN DE LA MUESTRA DE PINTURAS DE

EMILIO SENRA,

A PARTIR DE LAS 20.00H.

Estudio para el retrato de Francisco Celaya Tebar

Carboncillo s/cartón 70x50cm.

La naturaleza de mi juego / The nature of my game

En esta ciudad −hace más de un cuarto de siglo− conocí a un delgadísimo personaje que deambulaba por “La Cuadra”, que se vino de Madrid y que hablaba en madrileño (siempre lo hizo) de Giacometti, de Zóbel, de Cuenca; y que pintaba cabezas, en ventanas, de individuos incomunicados, solos; y tenía en su estudio-morada, que era un lavadero en una azotea de la Plaza de la Encarnación, una curiosa colección de vírgenes bonsáis con sus mantos, coronas y demás (con su camisita y su canesú). A Paco, a Paco Molina, El Moli, que así lo llamábamos, y que ya nos dejó años atrás, le pregunté muchas veces, sobre el aprendizaje en el arte de pintar. No puedo decir que obtuviera respuesta concreta, pero sí que afloraban sus reparos a las maneras de enseñar en las Escuelas de Bellas Artes, pues las criticaba de forma contundente.

Conocí, por ese mismo tiempo, a Rolando Campos, a Paco Cortijo, al heterodoxo Toto Estirado, con sus peces degollados que parecían reírse por sus degüellos. Estos tres también nos han dejado ya. Conocí a Santiago del Campo y sus clases magistrales de Triana, a Paco Reina. Pinté, aprendiendo en lo que pude, con un Jesús Chávez, que sumido en la miseria, cursaba sus últimos años en la Escuela de Santa Isabel de Hungría, en la misma promoción que Rolo, Reina y otros. De todos ellos quise aprender.

Una cosa es segura. No pasar por la Escuela puede ser una ventaja, para no quedar encorsetado en lo que llamo “modas generacionales”. No pasé por la Escuela, en parte, por los consejos de Paco Molina; en parte, por la natural rebeldía; y, en parte, porque, un raro expediente de la época “democracia sí / dictadura no”, me lo impidió durante un tiempo: I can’t be satisfied.

Algo sí es cierto: la pintura ejerció sobre mí, una atracción especial desde aquellos años 67, 68, 69…, de la pasada centuria. Me sentí sinceramente atrapado por ella. Más torpe o más listo, he seguido intentando ese juego de ir aprehendiendo en la pintura: mirando, dibujando, grabando, metiendo pigmentos, estudiando, y viendo toda la obra que puedo de los maestros que con los años he hecho míos. Atrapado por la pintura, así sigo. Mejor o peor, así sigo; y me temo que seguiré mientras pueda.

Emilio Senra.

Botella de aguardiente - óleo s/lienzo 25x22 cm.

Florero "Eurus" - óleo s/lienzo 46x38 cm.

PINTURAS DE MANUEL MARTÍN MORILLO

Mon, 17 Apr 2006 11:46:02 GMT

MUESTRA DE PINTURAS

MANUEL MARTIN MORILLO

A PARTIR DEL VIERNES

21 DE ABRIL DE 2006

EN LA CARBONERÍA

La rectitud objetiva

En una famosa y muy citada ocasión, el torero Juan Belmonte dijo aquello de “se torea como se es”. La sentencia ha quedado impresa en la memoria colectiva, en primera instancia por su certeza, efectiva y brillante como la mente genial de su creador. Pero aún más por su productiva aplicabilidad a múltiples situaciones, relacionadas con eso tan indefinible que llamamos creación artística.

Al observar las pinturas de Manuel Martín Morillo, de una manera sutil e instantánea, aparecen delimitadas las pistas para rastrear al propio pintor. Y no me refiero a pistas psicológicas o a intrincados simbolismos y metáforas de su personalidad. Se trata de algo más amplio, y al tiempo más sencillo, que abarca de forma integral la imagen humana de este sevillano que, desde la humildad del aficionado, ha logrado proponer un discurso pictórico elaborado a lo largo de décadas de amor a la propia pintura: el discurso calmo y sincero de la rectitud objetiva.

Descripción de unas realidades de evidencia clara, afecto a la fidelidad descriptiva, relación objetiva con el objeto representado… Las suertes taurinas que nos ofrece Martín Morillo en esta serie se nos presentan en franca evidencia de líneas, colores y composición. Ninguna afectación, ningún discurso encriptado, como no sea el del simple placer de la pintura, el del deleite de la representación.

Volviendo a la frase belmontina, otro torero más cercano, Emilio Muñoz, elaboró una variación que también viene al hilo de lo que expone Martín Morillo en esta ocasión: “Se torea como se está en ese momento”, decía Muñoz. Y estos pequeños cuadros taurinos nos enseñan un momento de apacible serenidad en la vida del pintor, desde que en el año 2000 pudo por fin dedicar más tiempo a su afición de toda la vida.

Y es que Martín Morillo pertenece a esa generación de españoles marcada por múltiples avatares históricos, y que ahora observa –entre atónita y divertida- un mundo muy distinto del que conoció, y al que sin embargo dio forma colectiva con tesón, paciencia e ilusión en unos tiempos oscuros, muy oscuros. Niños de posguerra y de necesidad, jóvenes encerrados en un país machacado y aislado del mundo, los hombres y mujeres de la edad de Martín Morillo se han pasado la vida trabajando, trabajando para remediar el desastre, trabajando para alimentar a sus familias numerosas, trabajando para lograr un poco de respiro en la carrera acelerada que ha sido la España de los últimos cuarenta años. Y ahora, en el futuro, lograda ya la calma, la vida ha pasado sobre ellos como una exhalación cotidiana. De entre los pliegues de esa cotidianeidad extrajo Manuel momentos aislados para dedicarse a su afición. Pintar, al fin; describir una realidad con la pretensión sencilla del artífice, y disfrutar con ello. En esa acción se encierra un acto de sabiduría que toma forma en estos cuadros. Una sabiduría exquisita, tan cara porque es el sedimento de toda una vida.

Álvaro Cadenas,

Abril de 2006.

DISEÑOS DE LAURA COMAS

Thu, 30 Mar 2006 12:06:50 GMT

MUESTRA DE TRAJES DE FLAMENCA DE LA DISEÑADORA LAURA COMAS

DEL 1 AL 20 DE ABRIL

EN LA CARBONERÍA

Laura Comas, joven diseñadora y estilista, que, con sus innovadores diseños, intenta abrirse un hueco en este mundo tan difícil de la moda. Realiza todo tipo de diseños, aunque ahora se encuentra en una etapa en la que viene centrándose en los trajes de flamenca.

En sus bocetos-patrones, Laura Comas, fusiona el traje típico sevillano con el traje de fiesta, o incluso con el vestido de novia, dotándolo de una elegancia de la que normalmente carecen este tipo de diseños. Esta artista pretende romper la barrera que impide que el vestido de volantes y lunares llegue a otros sitios. Combinando tejidos modernos con diseños novedosos, y sin perder de vista la esencia andaluza, quiere hacer del mismo, del traje de faralaes, una prenda más versátil; dando así una bocanada de aire fresco a este campo de la moda tan tradicional y arraigado aquí en la vecindad de Sevilla.

Esperemos que, en un futuro no muy lejano, el nombre de Laura Comas esté firmemente vinculado a volantes, flores, lunares... reconociéndose así la extraordinaria labor que desempeña, día a día, esta prometedora estilista del textil.

AGUSTIN FRUCTUOSO

Thu, 16 Mar 2006 12:58:56 GMT

DEL 10 AL 30 DE MARZO, 2006.

Del Agnus Dei de Zurbarán, a los caballos de Kounellis, sólo ha transcurrido el tiempo necesario para hacernos mayores y conocer la nostalgia. Dios no existe, Zurbarán ya lo sabía. Kounellis echa de menos aquella estatuilla negra a la que adorar; y, ahora, ya sabemos que las vanguardias forman parte del pasado, porque el progreso no es real. El único punto de partida posible, quizá, sea asumir que entre la nostalgia del paraíso perdido y la imposible Utopía, sólo existe la realidad de que injustamente la Historia sigue, y que nuestro esfuerzo, tenga que ir encaminado a descubrir y rescatar aquella primera mirada que nos propone Théo Angelopoulos en La mirada de Ulises.

Théo Angelopoulos, dice: "primero Dios creó el viaje, después la duda y luego la nostalgia"; para Anish Kapoor: "una obra de arte tiene que ser una proposición sobre la primera forma". Kounellis, habla de recalar al final del viaje en una playa, para pintar el último cuadro, el verdadero; y Bruce Chatwin ha escrito que el sentimiento de melancolía llevado a un extremo de radicalismo, es lo que da origen al mito.

Para mi, el mundo no se comprende únicamente a través de la pintura, creo que es cierto todo lo relacionado con interdisciplinariedad, yo mismo, de hecho, he trabajado con fotografía, instalaciones, performances, etc…, pero también es cierto, que a medida que iba asumiendo otros lenguajes, como medios para comprender, la pintura se ha ido convirtiendo en aquello que explica lo más íntimo, es como la lengua materna, que aunque hables otras, sigue siendo en la que sueñas. Por decirlo de alguna manera, para mí la pintura es, cada vez más, el medio donde se pueden aunar la intensidad y la intimidad para construir la metáfora poética.

Las personas que he citado antes, me interesan porque el objetivo de su trabajo es trascender aquello con lo que trabajan: la imagen, la materia, la palabra, etc… El origen y lo último es lo mismo, la nostalgia y la melancolía tienen que ver tanto con el sentimiento de pérdida primera (en definitiva, con el sentimiento de expulsión del paraíso), como con el sentimiento anticipado de pérdida que comporta el final; y es en ese espacio, entre dos límites supuestamente contrarios, pero intrínsecamente semejantes, donde intento construir mi trabajo.

Mis cuadros son monocromos, con accidentes que niegan lo "mínimal". Es, en estos accidentes, donde tiene cabida el mito, la nostalgia, la melancolía, aquello que nos lleva no sólo a entender, sino también a descubrir la esperanza. Y es con el lienzo como perfecta geometría, el color como cuerpo donde hallar la intensidad, y el accidente como espacio donde instalar la nostalgia, la manera en la que intento construir la metáfora, porque en definitiva un cuadro es una metáfora.

Agustín Fructuoso

EXPOCION DE LEONARDO CAMPOS Y ANSELMO RANZ

Thu, 16 Mar 2006 12:46:14 GMT

DEL 3 DE FEBRERO AL 3 DE MARZO 2006

El manaltial del Ojo (The Eye-Spring) es una metáfora viva que alude al continuo fluir de la imaginación creadora, pero sobre todo nos remite a ese líquido que es el ojo, fuente de donde mana y corre toda pintura: poesía silenciosa. Esta muestra reúne doblemente: de un lado, pinturas de Anselmo Ranz, marcadas por un expresivismo gestual, en las que sorprenden la curiosidad ante las texturas y los materiales; y, de otro, dibujos de Leonardo Campos, en los que la mano parece irse deslizando, entre el azar y el misterio, con una pulcritud de línea próxima y actual. El Manantial del Ojo (The Eye-Spring) señala, tambien, el diferente modo de acercamiento que estos dos artistas hacen a la producción plástica.

Anselmo Ranz (Sevilla, 1949), viene cultivando, con austeridad y desprendimiento, desde principios de los años sesenta, junto a la espontaneidad del gesto, su hallazgo más logrado, la obra del color, que es acaso la evocación de la pintura. Sucede que, para el expresionismo abstracto de Ranz, ver es el modo en que los ojos actúan sobre el trazo y la mano conduce el libre juego de las adherencias. La pintura de Ranz persiste en mostrarnos la ruptura de la tradición, aunque desde la tradición de la ruptura, eso que otros llaman tradición moderna, esa que ha venido haciendo del gesto y el color su propio dominio, y en la que cada pintor ha de lograr el gusto que lo aprueba.

La dilección del color, el volvimiento arrebatado del gesto, el encanto de las adherencias, la autenticidad de las emociones visuales, la gana de pintar son algunos de los rasgos que marcan, sin esfuerzo aparente, cada una de estas pinturas. Para el pintor, toda acción termina en expresión plástica, siente que es su gestualidad, y no otra cosa, lo que habita en el soporte material de estos objetos visivos. En esta escurridiza pero delicada operación de pintar – de gestear, rápida, laboriosa y detalladamente lo conducido por el ojo –, y de pintar sin más a la manera de sus maestros – Goya, Bacon, Pollock, Brooks, Tapies –, con osadía y desenfado, pero sin afectación ni amaneramiento, la primera cosa a la que se recurre es el gesto, el término último la luz, y dentro de la luz la discreción del color; pues cada pintura es un acontecimiento.

Hay, además, en esta apuesta de Anselmo Ranz, por insistir en la pintura, por recuperar la frescura del pintar, por retomar el aliento secreto de las texturas, trazas de honestidad y buen hacer. Hay nobleza y dignidad, entre estos soportes de cartón, que tocan humildemente el placer de nuestros ojos. Hay signos y manchas, a modo de estilemas, que adquieren un sabor de íntima e irremediable soledad, que invitan a los ojos a ver, porque van dando cuenta de las distintas mañas de hacer sentir la solidez seductora de los materiales, las adherencias, que se van sumando a la pintura. Sucede así en este juego de ver y hacer al que nos invita Anselmo Ranz.

Leonardo Campos (Sevilla, 1977), en cambio, viene cultivando, con delectación e insistencia, junto a la obra del color, que es el gusto por la pintura, la obra de la línea, tal vez el empeño más acabado de este joven pintor, hijo de pintores. En esta operación de dibujar, la primera cosa en venir a la mano es el bolígrafo, el término último la luz, y dentro de la luz el vigor de la línea. No sé si la mirada puede ir más lejos, pero los ojos prosiguen su búsqueda cuando ella se detiene.

En estos dibujos, ver es el modo en que los ojos meditan sobre el trazo y la libre consonancia de las líneas. El dibujo de Leonardo Campos (dibujante-pintor) abunda en mostrar que la línea posee su propia argucia: no sólo que ella sea guiada por quien osa usarla, sino que ésta es llevada por aquella. La labilidad de la línea, el temblor de la mano, la serenidad del trazo, la obsesión por el detalle, la constancia del oficio, la agudeza de las emociones visuales, son algunos de los rasgos que respiran, como quien no quiere la cosa, en cada una de estas piezas. Es de este modo que parece se van haciendo cada uno de estos dibujos que forman parte de la serie “El nómada”. Entre tanteos y dubitaciones, en dar y tomar las tintas, en combinar las líneas en rotación, en ir trazando en paralelo, en matizar las sombras, en dar y ajustar los volúmenes, transcurre así esa ejecución de sentido cuya concreción como arte es la tarea del dibujo.

Hay ocasiones en que, en el momento mismo de usar la línea, la mano siente el impulso irrefrenable de desbordarse, logrando aciertos que sorprenden nuestros ojos. Esto pasa en los dibujos de Leonardo Campos. Detengamos la mirada en la mano del dibujo… “Mi pulso es bastante malo, por irónico que pueda parecer”, nos dice quien alcanza hacer de la línea, una seriación de fluctuaciones que van de lo cálido y sombrío a lo alegre e insinuador; porque la línea puede ser, por momentos, suave y bronca, asustada y áspera, tímida y firme, taimada y vigorosa; y de otros muchos matices que nos van dando cuenta, expresivamente, de las diversas mañas de hacer ver el ánimo e incluso el pensamiento que anda tras la mano.

La línea, esa sucesión de puntos, nos traslada a un lugar que no es propiamente el de la experiencia, sino el que el propio dibujo se ha encargado de decidir. Estos caprichos de Leonardo Campos suscitan algunas cuestiones tocantes a dibujo y ficción, a narratividad simbólica. Nadie espera acaso la sorpresa que le deparan estas piezas, un tanto inquietantes, a pesar de la consonancia de los trazos y la acabada combinatoria de las líneas, luces, sombras. En estos ensayos sobre papel, en los que se recurre a las tintas, se cuestionan el orden del dibujar y el orden del dibujo en que se fundan las nociones de trazo y línea. Entre tanto, se van entretejiendo, sin querer, atinadas consideraciones acerca de la hermosura y la dibujística contemporáneas.

Francisco Lira